爵士乐的起源和发展历史是什么？
爵士乐来自布鲁斯，一种非洲奴隶和他们的后裔的民间音乐，他们过去住在美国南部。布鲁斯深受西非文化和音乐传统的影响，这些奴隶逐渐成为迁移到城市的黑人音乐家。
爵士乐的真正起源是贫穷。1865年，美国内战结束。过去，黑人奴隶是自由的，但他们的生活仍然很艰难。他们大多不识字，只靠故土培育的音乐自娱自乐。摘棉花时唱劳动号子和农歌，在种族隔离的教堂聚会时唱赞美诗和圣歌，由独奏歌手用班卓琴伴奏即兴演唱。在教堂里，黑人牧师采用了英语领唱法，解决了唱无词的问题。
上个世纪音乐会的标准形式，也就是当时军乐队和舞蹈乐队的音乐影响了爵士乐最早的主流表现形式。这些乐器:铜管乐器、簧片乐器和鼓已经成为爵士乐的基本乐器。
直走(直走)
所谓主流爵士乐，是指从咆哮音乐的风格中衍生出来的，自咆哮音乐出现在爵士乐舞台上1945以来一直传承下来的，一切简单直白的爵士乐风格。这种音乐风格在爵士乐的发展过程中一直扮演着重要的角色，因此得名“主流爵士乐”。就某些相关性而言，它还意味着积极和强大的可持续发展。比如独奏家和乐队的演奏风格或者一首乐曲的风格。所以我们可以理解为，影响如此深远、范围如此广泛的主流爵士乐(咆哮音乐)，会随着时代的演进，存在于过去、现在、未来的每一种爵士乐风格中，成为爵士乐的象征，为荣耀而奋斗。
这种类型的重要音乐人有奥斯卡吗？奥斯卡·皮特森，雷？雷·布朗，戴夫？布鲁贝克，艾哈迈德？艾哈迈德·贾马尔和杰瑞？格里·穆里根和其他人。
酒馆爵士乐(卡巴莱)
“小酒馆爵士乐”指的是20世纪40年代和50年代在俱乐部或小酒馆里演唱的爵士乐。节目通常在晚上举行，舞台上的表演者用机智的对话和情歌吸引观众的注意力。其著名的例子是钢琴歌手鲍比？鲍比·肖特。
工作歌曲[1890之前]
劳动歌曲在19世纪中期的美国南部棉田、港口、铁路和农村无处不在。劳动歌是勤劳的黑奴在工作时唱的歌。这类歌曲是黑奴苦闷生活的情感宣泄，是娱乐和情感交流的媒介。骄傲的奴隶主往往默许这种活动，因为这种方式可以提高产量。劳动歌曲的形式和节奏来自于西非黑人的故乡，它们以一种叫做呼唤和回应的音乐风格相互呼应。劳动歌曲后来成为布鲁斯和爵士乐早期表演形式(吟游诗人表演)的重要创作灵感和主题。
布鲁斯[1890]
布鲁斯音乐是爵士乐创作的重要元素和灵感来源。布鲁斯在爵士乐发展的每个阶段都无处不在，每首歌的形式和风格都是在演唱的过程中形成的。乐谱很简单，只是给演唱者提供一个大概的思路。布鲁斯表达的是歌手个人对某种外部环境或特殊情况的反应。
蓝调音乐可以分为三类:乡村蓝调、城镇蓝调和城市蓝调。
乡村布鲁斯是布鲁斯音乐的原始形式:一个歌手，弹着吉他，边弹边唱；后来歌手的演唱有了弦乐乐队和“陶罐乐队”的伴奏。弦乐队由小提琴、吉他、班卓琴、曼陀林和低音提琴组成。“陶罐”乐队由普通陶罐、班卓琴、手风琴、曼陀林、卡祖笛和普通搓板组成。在二三十年代，城镇蓝调由女歌手演唱，有钢琴和乐队伴奏，不像乡村蓝调那么粗犷。城市布鲁斯在20世纪40年代后开始流行，伴随着电吉他、电贝司、打击乐器和铜管乐器。
这类音乐后期的代表音乐家有:约翰·李·胡克、乔·威廉姆斯、小威尔斯、BB金、路德“吉他”强森和莉莲·鲍特。
拉格泰姆[1890]
随机节拍音乐是早期的爵士乐，采用黑色旋律、切分音、循环主题和扭曲的乐句。起源于1890左右，盛行于第一次世界大战前后。它的发源地最初在圣路易斯和新奥尔良，后来在美国南部和中西部流行起来。最后，节拍音乐消失在20世纪20年代新奥尔良所谓的“热”吵杂的传统爵士乐中。
钢琴家，早期散文音乐的先驱:斯科特乔普林，汤姆。詹姆斯·图尔平。让开阿迪。马修斯等。，都能找到爵士乐独有的核心元素——即兴创作和不规则乐句。都是以步态的形式出现，只是标题为‘rag’(破短语)，比如；白人作曲家威廉·H·克雷尔(William H.Krell)于1897年出版了第一部历史休闲音乐(Mississippi Rag)，1989年斯科特·乔普林出版的原始Rag，著名的经典(Maple Leaf Rag)和汤姆·杜宾作曲的哈林Rag(65438)。
爵士乐早期，除了与步态舞有关外，休闲音乐还发展成为流行音乐、进行曲、华尔兹等流行舞蹈的结合体，有休闲音乐歌曲、器乐独奏和管弦乐节目。到1917，白团迪克西？最初的迪克西兰爵士乐队录制的第一首迪克西？爵士唱片之后，他们的音乐风格在短时间内风靡全美，引起轰动。作为先行者，节拍音乐正逐渐从主流爵士乐舞台上退下来。1920年代转化为钢琴独奏风格的“大步”，出现在《詹姆斯》中。约翰逊、费兹·华勒和“狮子”威廉·史密斯。四十年代中后期，五七十年代，被一些感兴趣的爵士音乐家短暂恢复。与爵士乐紧密结合的100年的随机节拍音乐，似乎再也无法创造过去那个辉煌伟大的时代了。
新奥尔良爵士乐[1916]
正如许多其他艺术形式的起源一样，爵士乐的起源和发展经过十九世纪几十年的培育和成长，在二十世纪初演变为一种更加成熟的音乐形式，并以更加广泛接受和流行的姿态登上以新奥尔良为中心的音乐舞台，成为美国文化的象征。
发生在第一次世界大战前后的新奥尔良传统爵士乐，就像美国的一个民族和文化的大熔炉一样复杂:由圣歌、江湖唱腔表演、破布等谐音音乐元素组成，以对位法、切分法为主要音乐创作的动态元素，结合大量的独奏、即兴的装饰性表演和改写旋律的内核。新奥尔良早期的传统爵士队以小团体为主，演奏主旋律的乐器有:小号、单簧管、萨克斯管、长号；伴奏乐器有:大号、斑鸠、贝斯(以弹拨为主)、小提琴、钢琴、鼓。他们经常同时用多种声部演奏对位法，以营造一种生动活泼的氛围和音乐风格。早期新奥尔良传统爵士乐的代表人物和管弦乐队包括由“国王”奥利弗率领的克里奥尔爵士乐队，由新奥尔良节奏国王和杰利·罗尔·莫顿率领的红辣椒乐队，以及路易斯·阿姆斯特朗。
迪克西兰(迪克西？爵士)[1917]
迪克西？爵士乐是由新奥尔良和芝加哥的爵士乐手于1917年至1923年间发展起来的早期爵士乐风格。它在20世纪30年代后期被一些倡导者重新发现，并复兴了一段时间。简而言之，迪克西？爵士乐是新奥尔良传统爵士乐的一个分支，“迪克西兰”的英文原意是“迪克西兰”，一个军营。这个词最早出现在1859年丹·艾美特先生的《殖民歌舞》中，所以我们可以知道:迪克西？爵士乐与进行曲、吟游诗人等音乐有关，其中第一首著名的曲子是1860年出版的《风中奇缘》。到了1910年代，演奏这种风格的爵士乐队已经发展成了小团体。他们的作品主题大多来源于当时的布鲁斯、进行曲、流行歌曲，甚至某一段音乐的某一个破布都可以延伸发展，这就是最初的即兴创作。迪克西？爵士乐的主旋律一般由小号、单簧管和长号演奏，伴奏乐器主要是钢琴、吉他、斑鸠、大号、贝斯和鼓。
一些爵士乐历史学家将那个时代“白人”音乐家演奏的传统新奥尔良爵士乐归类为:迪克西？爵士乐，新奥尔良传统爵士乐由黑人演奏，是新奥尔良的传统爵士乐。其实这两种爵士风格在技术上和本质上都很难细分，也没有必要细分，因为两种风格指的是同一个流派，区别只是因为‘人’。
摇摆[1935]
摇摆乐起源于1930左右，辉煌在1935-1946之间，被摇摆乐之王本尼精准定义。古德曼六重奏在1935的一些录音。20世纪20年代中后期，爵士乐在美国各大城市的夜总会、舞厅等娱乐场所非常流行。这些地方吸引了大量年轻的乐迷和舞者前来消费和享乐，需要更多适合舞蹈平台(四拍)的由TinPanAlley改编的爵士乐和摇摆乐来满足年轻人和中产阶级乐迷的人群。所以，毫不夸张的说，摇摆乐源于商业需求，而爵士乐带有娱乐色彩。摇摆乐后来演变成歌舞表演的伴奏队(有点像舞蹈乐队)和“音乐会”乐队，比如艾灵顿公爵，从40年代中期开始每年定期在卡耐基音乐厅演出。摇摆乐适合跳舞，每个小节有四拍。所以有学者称之为“四拍爵士乐”。1930-1935在摇摆乐还没有定型的时候，具有这种类型倾向的爵士乐队在节奏乐器的使用上逐渐发生了重要的变化:大号被低音提琴取代，斑鸠被节奏吉他取代，基本节奏脉冲由鼓点变为锌钹的“踩镲”或“骑交响曲”。和声节奏部分表演的传统爵士乐轻快活泼，有时每小节四拍细分为双二拍；独奏演员被要求和期望有更多的自主权来即兴创作独奏旋律，以便能够超越不断变化的节奏。这一时期重要的爵士乐艺术家有:科尔曼？科尔曼·霍金斯，本尼？古德曼和强尼？强尼·霍奇斯和李斯特？杨；并且之前被忽视的乐器可以提升到与小号、单簧管、萨克斯等主乐器同等的地位。
40年代中后期，摇摆乐逐渐衰落，但其节奏中的一些重要元素被用于50年代出现的节奏布鲁斯和摇滚音乐中，虽然摇摆乐已经失去了辉煌的岁月，但直到90年代的今天，其残存的节奏放松感和摇摆感仍经常被其忠实的追随者所追求。
现代爵士乐[1945]
所谓“现代爵士乐”，指的是40年代中期咆哮音乐诞生到60年代之间出现的所有爵士乐风格。但一般指咆哮音乐及其后期分支，如Hard Bop、Funk等。此外，它还不包括20世纪60年代初的自由爵士乐。
Bebop或bop(咆哮的音乐)[1945]
顾名思义，咆哮的音乐是一种喧闹的爵士乐，它的原英文名是Bop、Bebop或Rebop。在20世纪40年代Bebop的早期，这三个名字都被使用。其中，Rebop可能起源于拉丁美洲一些乐队演奏的歌曲“Criing”，但没有人用它来形容这种诞生于20世纪40年代中期的美国爵士乐。另外，Rebop也可能来自于模仿爵士歌手的双音节变声法的Re-bop(或Be-bop)，比如Lionel？莱昂内尔·汉普顿和迪克？格里斯比曾在他们的作品中唱过“嘿-巴巴-再-波普”。也许Bebop(或Rebop)是一种发音，来源于咆哮的音乐，常常在音乐的结尾以“Bebop”(或Rebop)结尾。一般的爵士乐研究者往往将40年代中期到60年代的所有咆哮音乐形式统称为现代爵士乐(比如改良的咆哮乐队，自由爵士乐除外)。
咆哮音乐的创始人是查理？查理·帕克尔，迪克？格里斯比和西罗尼斯？蒙克(塞隆尼斯·蒙克)等人，如巴德？巴德·鲍威尔和迪凯特？德克斯特·戈登也是这一时期重要而有代表性的音乐家。
酷爵士[1948]
任何事物都不能无中生有，它总是有一个起源和酝酿期。爵士乐各种流派的起源和诞生，并不是一时之间从石头缝里突然“跳”出来的，而是有其一步步发展的过程。
酷爵士，一般来说是1949-1950，小号手迈尔？以米勒·戴维斯为首的九重奏乐队录制的专辑《the Cool的诞生》为代表的音乐风格，让主流爵士风格瞬间从Bop变成了另一个相反的方向，从热到冷。这个180度的反转是一个历史性的里程碑。然而，第一个奏响酷派爵士“序曲”的先驱不是梅耶尔吗？戴维斯，当1947，创新爵士著名代言人斯坦？当肯顿指挥他的乐团录制一首风格酷炫(不是咆哮的音乐)的前卫作品《协作》时，他成为了一名钢琴/作曲家莱尼。当伦尼·特里斯坦诺(Lennie Tristano)将一首歌曲《与乌兰诺夫一起冷却》(Coolin 'offwith Ulanov)作为酷派爵士音乐谱下的历史性“序曲”时，迈尔？戴维斯还只是咆哮之王，男中音萨克斯手查理吗？帕克乐队的新人。莱尼。特里·斯塔诺严谨？抒情简单的触键几乎触及了它的核心，不成熟的时间和滞销的战绩阻碍了特里·斯塔诺前进的信心。两年后，这个开创性的机会给了梅耶尔？戴维斯拿走了。戴维斯以其清新的小号独奏风格吹响了酷派爵士乐的主要定律，正式向爵士乐界宣告了“一种新的声音”以精确而成熟的定义到来了。如果说戴维斯是酷派爵士的“母亲”，毫无疑问，特里·斯塔诺是“助产士”；再往前推，早在20世纪20年代就去世的天才小号手比斯？30年代的贝德贝克和李斯特？杨的独唱音乐风格好像叫《助产护士》。
其他很酷的爵士音乐人还有:李？李柯尼茨，吉尔，艾文斯乐团，阿提拉？阿提拉·佐勒。
放克(funk) [1955]
放克爵士乐是改良咆哮音乐的一个分支。“funk”一词原本是对黑人的粗俗俚语，暗指女性生殖器。最早是钢琴家霍勒斯在1953中提到的？霍瑞斯·席佛的一首歌的名字是《奥普斯德·芬克》。霍瑞斯·席佛的其他这类作品包括《传教士》、《涂鸦》、《布鲁斯先生》和《献给我父亲的歌》。再说卡农？炮弹阿德利，南？纳特·阿德利(Nat Adderley)合著的经典歌曲《工作之歌》(Work Song)也是客爵士的代表作品。其他代表艺术家有:艺术？布雷基，雷伊？雷.安德森和蓝盒子。七八十年代，方可的发展是以布鲁斯和蓝调为基础的，但是乐器好像转到了萨克斯，比如戴夫？戴夫·桑伯恩，早期的格罗弗？小格罗佛·华盛顿和其他人是次风格的大师。
硬Bop(强化咆哮音乐)[1955]
和大多数艺术形式一样，爵士乐的发展是逐渐从一种风格发展到另一种风格，从一种旧时尚发展到另一种新时尚。50年代中期，当很多人对让人昏昏欲睡的酷炫爵士乐感到无奈和厌倦时，一股爵士乐力量“改良咆哮音乐”诞生了。因为它的及时出现，不仅填补了酷派留下的音乐空白，也给弱小的爵士世界打了一针强心剂，甚至为曾经被酷派推下主流舞台的咆哮音乐报了一箭之仇。改进的咆哮音乐是暂时的。
改良咆哮音乐的中文意思是一种强烈、紧张、困难的爵士乐风格。起初，其代表音乐家和团体是由鼓手阿特·布莱基领衔的五重奏团体“爵士信使”(五六十年代《爵士信使》中咆哮营的摇篮和训练营)和马克斯·罗奇-克利福德·布朗五重奏。有人把“硬Bop”翻译成“硬吼音乐”或“纯吼音乐”。在思考了这一类型音乐风格的背景和音乐特征后，作者认为前者的翻译仍然是边缘性的，而后者则完全无关紧要。基本上发明硬Bop的那一对音乐人曾经在查理？帕克尔迪克。格里斯比的咆哮乐队成功了。虽然这些咆哮音乐的后代在他们的新音乐中保留了强大的咆哮元素，但被修改成了更容易被粉丝接受的形式。虽然比较起来还是吵，但也没有查理吵吧？帕克和迪克。格赖斯有更复杂的和声和极其刺耳的三和弦。硬Bop的音色更和谐，旋律更清晰，演奏音域更轻松，即兴独奏少，发行量更大。再者，Hard Bop加入了大量的蓝调旋律、教会圣歌和和声，特别强调鼓的节奏和脉动(因为很多领军人物都是鼓手)，演奏的声音也更大。更有表现力和层次感；钢琴触键虽轻，但仍有节奏感；低音演奏起来更流畅。所以Hard bop的中文应该翻译成“改良咆哮音乐”，似乎更接近原意。20世纪50年代和60年代改进的咆哮者大多来自底特律和费城的黑人音乐家。前者包括Berry？巴里·哈里斯，汤米？汤米·弗拉纳根；后者有李？李·摩根，梅奎兹？马克斯·罗奇等人。
自由爵士乐和前卫爵士乐[1960]
自由爵士乐就是自由爵士乐，爵士乐评论家多姆·赫克曼曾将其形容为“动作爵士乐”。但是它没有被广泛采用；20世纪70年代中期，纽约出现了这种音乐类型的衍生品——阁楼爵士乐，这种音乐经常在阁楼上演奏。显然，自由爵士是基于其创始人厄尼？奥奈特·科尔曼在1960录制了专辑《自由爵士》。同期代表还包括Sil？塞西尔·泰勒和艾伯特？艾伯特·艾勒等人，后来的倡导者是约翰？科川。因此，自由爵士乐也被称为“前卫爵士乐”或“新事物”。简而言之，自由爵士乐是一种抛弃了之前爵士乐的和弦结构，重新建立自己松散自由的集体即兴创作的音乐形式。它通常不局限于音调，而是用某种调式定位一个多调式即兴创作的方向，但不照本宣科，不重复句子，改变语速。以这种方式表现出来的音乐风格，往往夹杂着人声的呐喊，小号或萨克斯管乐器的哀号，杂乱无章的多向鼓声或低音。
爵士摇滚与融合[1970]
摇滚爵士专指迈尔？就戴维斯在60年代中后期开创的爵士风格而言。60年代中后期，以咆哮音乐为主体的现代爵士舞台虽然还有一些追随者，但其粉丝已经明显流失。盛行的自由爵士乐困难重重，备受争议，其影响不仅在欧洲，也在欧洲。赫尔曼的大多数美国同胞不买他的账。猫王埃尔维斯·普雷斯利和新的摇滚之王(披头士)正在那里摇头晃脚，蚕食着爵士乐的地盘。最流行的黑人音乐什么时候变成了灵魂乐、电子蓝调甚至摇滚乐？爵士乐真的死了吗？！这些心结存在于当时很多爵士音乐家和乐迷的心中，最终，在迈耶？戴维斯决定加入他们，如果他不能击败他们作为一种策略。1969年发行了两张成功的专辑《Ina Silent Way》和《Bitches Brew》，融合了摇滚节奏、电子乐器和爵士乐，得到了正确的答案。
迈耶？戴维斯的摇滚爵士组合也带出日后在爵士音乐中扮演重要角色的音乐人，如:吉华音乐人约翰？麦克劳林，键盘手？奇克·柯瑞亚和萨克斯手韦恩？韦恩·肖特。很快，梅尔？戴维斯所在的团体分崩离析，成员们各奔东西，比如约翰？麦克劳林的“大毗湿奴乐团”乐队，齐？《回到永远》《回到永远》，乔·扎维努尔和韦恩？Short的{Weather Report }{Weather Report}都是著名的fusion爵士乐队。70年代，他们的音乐融合了灵魂乐、民谣和拉丁爵士，也就是所谓的“第二波爵士融合时代”。其他代表人物有菲利普？菲利普·凯瑟琳，比利？柯本，韦纳？韦恩·克兰兹，间谍，蕾妮？勒尼·斯特恩。
迈耶？戴维斯代表的摇滚爵士风格之后，就是所谓的“融合爵士”，或者，有人会梅耶？在戴维斯60年代末到80年代的摇滚爵士风格之后，所有与此类型相关的风格都被称为爵士-摇滚融合。
后现代[1980]
《后现代》(后？“现代”一词最早出现在20世纪70年代中后期的一些文学评论中，其在建筑上的引申是指反理性、理性、机械以及线、动脉、形……色千篇一律的现代主义建筑创作理念。
红帽唱片认为:像塞西尔？泰勒是20世纪五六十年代这种音乐风格的先驱，乔治？乔治·格劳威也将成为八九十年代的新旗手，而约翰·格劳威？约翰·左恩被许多粉丝和评论家认为是当代新锐艺术家之一。于是就有了{后现代爵士}。你是否听说过约翰？Zon的两张专辑《给露露的消息》可以用来对比约翰？对恩的风格有了更深的理解。此外，他在DIW唱片公司录制的一系列“Masada”也受到了爱好者的称赞。
哈莱姆爵士乐[1920]
哈莱姆爵士乐是指20世纪20年代美国纽约哈莱姆区的哈莱姆文艺复兴运动的爵士乐风格。在这一时期，黑人自我意识运动以弘扬黑人传统的固有文化和精神为主要诉求，尤其是在文学和艺术方面，受到了这一运动先驱们的重视。但后来也扩展到了爵士乐领域。
大波段[1930]
大乐队时代起源于20世纪20年代中后期，艾灵顿公爵和本尼？古德曼主导的爵士乐风格，不仅在20世纪30年代中期和摇摆时期盛行，而且在40年代中期咆哮乐迪。迪兹·吉莱斯皮，50年代的酷炫爵士吉尔？60年代的自由爵士Ivins，孙Ra，70年代的爵士摇滚与融合音乐唐？伊尔斯，梅纳？80年代的梅纳德·弗格森和克劳斯？可以在克劳斯·柯尼希的后现代咆哮音乐中找到。其他著名的大乐队还有:Conte？贝西和吉尔？艾文斯等人领导的团体；可以说大乐队是爵士乐中永恒的象征。大乐团的编制一般是10人以上，涵盖的乐器有:小号3个以上，长号2个以上，萨克斯4个以上(以上乐器也可以分成几个，如果编制足够大；其他乐团会加单簧管作为主旋律部分，比如本尼？古德曼管弦乐团)；伴奏或节奏乐器有:钢琴、吉他、贝斯、鼓等弦乐器。
因为大乐团的形成和发展在某种程度上与1935-1946的摇摆乐有重叠，所以很多乐评人和乐迷往往会把两者混淆，这确实是一个疏漏。简单来说，大乐队就是乐队组织。通过这个庞大的群体，它可以演奏任何爵士风格的编曲。当然，摇摆乐只是其中一种可能(也许，有人会说大乐队演奏摇摆乐是为了让人更有摇摆感，但事实证明，后来的一些小乐队(Combo)也能很好地摇摆，比如:Benny？古德曼的六重奏)；另一个区别是，摇摆对于严谨的节奏和更即兴的独奏是有效的，而早期的大乐队独奏则更有限，摇摆更少。其他学者将大乐队分为“摇摆乐队”或“热门乐队”，如艾灵顿公爵和孔蒂？贝西领衔的早期大乐队，以及格伦等“斯威尔乐队”？后来由格伦·米勒领导的大乐队。所谓的摇摆、火辣、甜美，不过是为了区分这些乐队所代表的细节上的差异，并没有什么特别的意义，因为都指向同一个主题:大乐队爵士乐。
R & ampb(节奏布鲁斯)[1940]
简而言之，《节奏与布鲁斯》早在50年代初就有了& amp；r(负责艺人和音乐选择)经理和杂志专栏作家用它来形容一种节奏感很强的流行音乐，起源于20世纪30年代的哈林跳爵士和布鲁斯。“节奏布鲁斯”这个词被创造出来后，很快就取代了旧词“种族记录”。这种音乐风格的早期代表是路易？路易斯·乔丹和雷？查尔斯，待会儿见，女士？比安卡女士，孟菲斯号角和玛丽亚？玛丽亚·马尔道。
民族爵士乐[1950]
在20世纪50年代，“民族爵士乐”主要是指南美洲结合拉丁音乐的爵士乐，但这一术语后来被扩大到指所有具有自己民族音乐特色的爵士乐。这种民族爵士乐风格的著名乐队有阿拉伯人拉宾-阿布-哈里尔和玛丽亚？玛丽亚·若昂，南非人阿卜杜拉？易卜拉欣·达乐？阿卜杜拉·易卜拉欣-多勒布兰德和有着巴西风格的匈牙利人费伦？费伦茨·斯内尔伯格。
莫代尔爵士[1955]
莫代尔爵士是50年代末很酷的小号手？由迈尔斯·戴维斯发展起来的一种爵士乐形式，以非自然音阶(非和弦，如多里安、phrgaian以及西班牙和印度音乐的音阶)为主要创作来源，调式爵士乐常被误认为是大调和小调调式。也许把调式爵士乐翻译成“队形爵士乐”或“音韵爵士乐”不会造成这种混乱。这种创作手法经常被一些音乐家采用，因为在“和弦进行”的模式下更容易创作。而且因为可以自如的和声演绎，更容易让音乐人产生一种从容而有思想的感觉。mode jazz第一首家喻户晓的曲子是Mayer？戴维斯在1958年为哥伦比亚唱片公司录制了同名里程碑专辑。这首歌是AABBA的形式，A部分采用G调多里安调式。B部分基于钥匙的风力模式。和迈尔吗？戴维斯的脚步，萨克斯大炮？安德烈和约翰？约翰·科尔特兰对调式爵士乐的进一步和更自由的创造，如:约翰·科尔特兰？柯川1960同名专辑《印象》。其他重要的音乐人有:迈克·迈克尔·布雷克和麦考伊？麦考伊·泰纳。
拉丁爵士乐[1960]
拉丁爵士乐是一种将古巴、波多黎各、南美等拉丁系的舞蹈和打击乐器的节奏元素与爵士乐即兴创作相结合的音乐。其特点是将拍子细分为双拍子的倍数，摒弃了散拍和摇滚爵士常见的节奏，在一个复合连续的团音中，重音不规则地落在一两个小节中。一个最简单和最常用的例子是哈巴内拉或丹扎的节奏。
60代人，很多热情