买了个口琴，想学吹，但是不知道怎么做。
吹奏口琴的基本技巧:
第一，单音表现
演奏单音有两种方式，即演奏一段旋律。一种是把嘴唇眯起来，对准一个单孔。这种方法产生的声音浑厚、坚实，力度变化明显，音色纯正，便于气振、滑音等常规技法的运用，所以世界上很多音乐家，尤其是欧美音乐家，大都采用这种方法。
此外，还有一种“含孔”法，被中国玩家称为“新单音玩法”。方法是:微微张开嘴，把口琴含在嘴里，用舌头堵住左边的大部分孔，只留下右边的一个孔吹奏。这种方法演奏出来的声音更柔和，和声更方便，但声音更分散，音色变化较小。两种演奏单音符的方法各有千秋，演奏者应根据不同的作品正确使用。
两种单音演奏方法用于演奏旋律，有两个基本要素:连音和断奏。因为口琴是一种呼吸乐器，控制不当会给人一种脱节感。这是很多玩家容易忽视的通病，但是如果你认真听或者记录下来就会很明显。口琴应该如何表现连接？首先你要根据作品的意境来唱配乐，连贯地唱。演奏时，无论用什么方法弹奏单个音符，都不要离开琴箱。另外，如果用一口气和一口气把两个音连起来，后一个音要比前一个音弹得稍弱，会给人连起来的感觉。关于断奏，就是断音符不连音。如果用缩唇弹断奏，要像管乐器一样“吐”音，即舌头在嘴里发出“吐”音，断开音。这种方法是标准化的，能更好地表达音乐的要求。另外，无论吹音还是吸声，舌头的动作都是一样的。当连接中连续重复相同的声音时，应轻吐，不要停止呼吸，轻轻断开。如果采用断奏法，因为不能靠舌头的动作，只能靠停气来断开那些没有连接的音。同一个音连续断奏时，有的演奏者还是用“咳”，这也是一种方法，但是你要注意不要有太多的喉音。
连接和断奏是旋律表现的两种基本手法，以上只是简单介绍。在演奏中，还应认真把握和处理音乐作品的具体要求。
第二，颤音
颤音是口琴演奏中的一项基本功，分为手颤音和空气颤音。通过使用颤音，音乐可以更加生动，细致，充满情感。
手颤音:用手捏住琴底，合拢，使两手掌之间形成一个封闭的空间，一手均匀扇动(半音阶口琴和布鲁斯口琴一般用左手，复音口琴多用右手)，演奏时产生波纹音。手部动作的速度视音乐的具体情况而定，但一定要控制好，动作要均匀，手臂和手腕要放松。手震音是通过手的开合连续交替，依靠琴边的“空气振动”，所以没有音高的变化。这是口琴演奏中区别于其他乐器的一种独特的颤音方法。常用于演奏柔和抒情的乐章，尤其是装饰和美化长音符的演奏，如巴赫的《G弦上的咏叹调》和德彪西的《月光》，其中大量使用了手颤音。
气颤音:由气息强弱的交替产生，就像管乐上的颤音和小提琴上的琴弦摩擦一样，也是口琴演奏中广泛使用的颤音。如果手颤音是手均匀拍打产生的空气颤音，那么空气颤音就是演奏者吹出的气流强弱变化而产生的音高变化的颤音，符合人们传统认为的颤音概念。气的振动可以通过弹长音来练习。先平稳地吹音，然后均匀地用力，呼吸不能中断，从而产生上下波动的振动音。演奏时，气的位置要放低，用腹部吸气，用腹部的压力来完成。刚开始练习的时候，吹的声音比较容易做到，吸气的声音会有些困难。最好是自然舒展的放音，注意听辨。相比手颤音，气颤音更符合声学原理，音质厚重华丽，可塑性好，音乐处理更细致，表现力强。这种技巧在半音阶口琴和布鲁斯口琴的演奏中最常用。
第三，滑动声
滑指的是从一个音到另一个音的弹奏方式。效果，如弦乐器或管乐器中使用的滑音。这是口琴优于其他簧片乐器(如风琴、手风琴)的一个重要技能。其音效自然、流畅、可塑性强，多用于播放流行音乐、爵士乐、布鲁斯音乐。滑行有两种:向上滑行和向下滑行。
半音阶口琴和布鲁斯口琴吹滑音都是眯着嘴唇吹一个单孔。因为复音口琴有双簧片，需要用下唇盖住下一排的吹孔，只吹上面的单孔。演奏时气流由缓变急，嘴唇由松变紧，使簧片下压，产生下坠音(一般下坠二度至二度)。由于口琴的结构原因，吸音更容易，吹奏难度更大，需要演奏者的细心体验和练习。滑音是口琴演奏中最常用的，甚至布鲁斯口琴的特征音b7和b3也只能通过滑音获得。
向上滑动的声音与向下滑动的声音相反。一开始要绷紧嘴唇，急用气息，这样口琴发音的时候会比孔正常吹奏的声音高两度或者两度。然后，你要放松嘴唇，放慢呼吸，声音会向上滑动到孔的正常音高。弹上滑音比下滑音要难一点，但道理是一样的。关键在于演奏者对口琴性能的把握和科学的练习。
在练习时，首先要注意气息的调整，尽量保持气息向下，以充分利用腹部对气流的压力。其次要注意音高，也就是二度和二度的音高概念。在此基础上，还要熟悉音乐的风格和内容，才能使滑音的技术表现得当。另外，由于滑音的技术难度较大，口琴的质量对其发挥也有很大的作用。只有灵活了，声音才会轻松流畅。
第四，和声的演奏
和声是指口琴演奏和弦或音调。口琴可以几个孔同时发音，吹和吸气都可以，但口琴不是天才和乐器。
先说和弦弹奏。我们知道，用多孔法，舌头可以放开，同时发几个孔的音，吹气可以得到“1 3 5”，吸气可以得到“2 4 6 7”。根据大调模式，只能演奏主和弦“1 3 5”、二和弦“2 4 6”、七和弦“7 2 4”等少数和弦。很多口琴爱好者在演奏一些传统和古典的作品，但是口琴上连最基本的IV和弦“4 6 1”和V和弦“5 7 2”都没有。布鲁斯口琴由于特殊的排列方式，只能有“1 3 5”和“5 7 2 (4)”和弦。由于口琴的呼吸关系和结构关系，无法随意组合和弦以满足音乐和声色彩的要求，所以口琴并不是一种擅长演奏和弦的乐器。
在传统口琴演奏中，尤其是复音口琴演奏中，有一种方法叫“伴奏”，即带孔演奏，舌头抬起，立即放回原位，产生一个短和弦，用“∧”表示，也称“伴奏”，如“∧ ∧”或“∧”这种演奏方法流行于上世纪五七十年代，很多曲子从头到尾都使用这种技法。和声上的这个错误是显而易见的。在音乐高度发展，人们欣赏水平也很高的今天，我们必须正视这个由来已久的习惯性问题，因为它不符合和声和声学的要求，不能武断地解读为“这就是口琴”。任何乐器都应该为音乐服务，口琴也应该如此。
日本世界级口琴演奏家佐藤秀夫(Hideo Sato)发明了小调口琴，试图提高口琴的和声，但只适用于一些特定的曲目，比如著名的《沙漠之城的月亮》、《樱花变奏曲》。但对于这两部作品，在录音的时候，口琴只演奏了两个合适的和弦，更多的是依靠乐队的伴奏。而他根据萨拉萨蒂的小提琴曲演奏的《吉普赛人之歌》，则完全由钢琴伴奏，口琴只演奏单一旋律和一两个与钢琴伴奏和弦相对应的和弦和双音节，从而完美地展现了原作的意境，成为口琴演奏的典范。有些口琴家在演奏一首曲子时需要换几把不同调的口琴，这不仅是出于调音的目的，也是出于和声处理的需要。
口琴可以通过嘴部的变化和舌头的动作来演奏少量的双音，比如三度、四度、五度、六度，极少数的二度、七度。口琴上的每个音调只有八度双音调可用。半音阶口琴在吹两个音上有优势，因为他会吹所有的半音。但是两个音的表现要根据音乐的需要，不能随意使用。一般情况下，每一个双音都要附在原作的和弦上，这就需要演奏者在吹奏口琴的同时学习乐理和和弦的知识，正确掌握和运用口琴上的和声。在这方面，欧美的口琴乐手研究的比我们更深入。虽然他们以演奏单音符为主，也经常使用乐队或其他乐器伴奏，但在他们的作品中，往往能编出适合口琴演奏的美妙和声，令人耳目一新，叹为观止。著名口琴大师拉里·艾德勒是探索和声演奏的代表人物，他在作品中大量运用了这一技巧。如果我们听过他的作品如《蓝色狂想曲》和《夏日时光》，我们会对和声的运用有更好的理解。
和声是音乐的重要表现因素。如果说旋律表达的是单一的音乐线条，那么和声就会呈现出充满华丽色彩的垂直立体感，像一座流动的建筑。口琴演奏要扬长避短。除了在旋律表现上多下功夫，演奏的每一个和声都要仔细分析，与原作的和声保持一致，否则就会出现和声错误。长此以往，还会破坏玩家对和声色彩的感受，产生枯燥乏味的感觉。此外，我们可以注意到口琴在一些音乐或歌曲中的演奏。通常口琴只演奏单一旋律，有乐队、钢琴或吉他伴奏。我在交响乐团演奏或给电影配音时也是这样做的。这既满足了音乐的要求，又为演奏技巧提供了更大的空间，广大口琴爱好者不妨借鉴一下。